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view post Posted: 31/12/2023, 21:44     +12L'ADORAZIONE DEI MAGI - Jan Gossart - ARTISTICA


Magi, voi siete i santi più nostri,
i pellegrini del cielo, gli eletti,
l’anima eterna dell’uomo che cerca.

(David Maria Turoldo)





Jan Gossart
L'adorazione dei Magi
(The Adoration of the Kings)
1510-1515
Olio su tavola di quercia
179.8 × 163.2 cm
Londra, National Gallery


Questa grande pala d'altare è piena di contadini, animali, angeli e re e cortigiani riccamente vestiti, venuti ad adorare il Cristo bambino. Si tratta de "L'adorazione dei Magi" (Matteo 2, 11), quando i Re Magi seguirono una stella proveniente da est e trovarono Cristo in una stalla di Betlemme.





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In un palazzo diroccato, la Vergine Maria siede con il Bambino Gesù in grembo. Tiene in mano un calice d'oro contenente monete d'oro, il cui coperchio giace ai suoi piedi. È il dono dell'anziano re Gaspare, che si inginocchia davanti a lei, con il cappello e lo scettro a terra. Il suo nome è inciso sul coperchio in lettere dorate che proiettano ombre su un anello esterno concavo. Cristo prende una delle monete nella mano sinistra. Il secondo re, Melchiorre, si trova dietro Gaspare, sulla destra, e porta l'incenso in un elaborato vaso d'oro. Di fronte a lui si avvicina il terzo re. Il suo nome corre sulla sommità del cappello: BALTAZAR. Il suo dono di mirra è contenuto in un vaso d'oro decorato con bambini nudi. Si ritiene che i doni di oro, incenso e mirra simboleggino rispettivamente il tributo, il sacrificio e la sepoltura dei morti. Su un capitello sopra la testa di Gaspare è raffigurato il sacrificio di Isacco, che prefigura la Crocifissione.





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Tra Baldassarre e la Vergine, San Giuseppe si appoggia al suo bastone e guarda gli angeli che si librano nell'aria. Dietro di lui, un bue fa capolino da una porta in cui si trova un altro angelo. Un asino vicino sgranocchia erbacce. Alle spalle di Gaspare ci sono due pastori, uno con uno strumento musicale, l'altro con un cappello di paglia e un attrezzo per pascolare le pecore. In lontananza vediamo gli stessi pastori che ricevono la notizia della nascita di Cristo. Come i re, sono venuti ad adorare il Bambino Gesù (Luca 2, 8-18). La stella che ha guidato i re brilla sopra la stalla e la colomba dello Spirito Santo si libra sotto di essa, mentre gli angeli riempiono il cielo. Alcuni del seguito dei re si accalcano dietro di loro, mentre altri a cavallo si intravedono attraverso la finestra alla nostra destra.





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Jean Gossart ha firmato il dipinto in due punti: una volta sul cappello di Baldassarre e una volta sul colletto d'argento del suo attendente. L'analisi tecnica ha rivelato l'abilità, il tempo e lo sforzo che Gossart ha profuso in questo quadro. I riflettogrammi all'infrarosso mostrano una quantità considerevole di disegni sottotraccia e un gran numero di modifiche apportate in tutte le fasi. Le linee principali dell'architettura sono regolate, ma il resto del disegno è a mano libera, senza alcuna indicazione che sia stato utilizzato un qualsiasi tipo di trasferimento meccanico. Il disegno è dettagliato, fino alle nocche e alle unghie, alle pieghe dei vestiti e ai motivi dei tessuti. Gossart spesso tracciava diverse linee per ottenere il contorno giusto, ad esempio nel naso di Gaspare Le teste, i volti e i vestiti sono stati cambiati; quasi tutta l'architettura è stata modificata quando il dipinto era quasi finito e alcune figure sono state dipinte direttamente sopra ciò che si trovava dietro di loro, come il bue, l'asino, lo scettro di Gaspare e il coperchio del suo calice. Le piastrelle rotte del pavimento e le piante che vi crescono attraverso sono state aggiunte dopo la griglia del pavimento, a sua volta realizzata solo dopo che le figure principali erano state bloccate. Tutti i disegni e le modifiche sembrano essere opera dello stesso Gossart, anche per quanto riguarda la pittura frettolosa delle teste secondarie: non ci sono interventi evidenti di assistenti.





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Per ampliare la gamma di colori e toni, Gossart ha mescolato e stratificato i suoi pigmenti in modo insolitamente complesso, sottomettendo alcuni colori in diverse tonalità di grigio. Un'impronta digitale sulla veste verde dell'angelo dietro il bue dimostra che Gossart ha tamponato lo smalto con il dito. Ci sono passaggi virtuosi di dettagli, soprattutto in primo piano: i capelli che spuntano dalla guancia di Gaspare e la decorazione del suo cappello; le frange della stola di Baldassarre.


Gossart attinse a diverse fonti, soprattutto alla Pala di Montforte di Hugo van der Goes (Gemäldegalerie, Berlino) che ispirò i re e i servitori magnificamente vestiti, l'architettura spezzata e gli angeli in volo. Ma Gossart ha fatto un ulteriore passo avanti rispetto alle vedute di Hugo attraverso gli edifici in rovina e i paesaggi lontani, aprendo una vasta recessione verso le montagne lontane al centro del suo dipinto. Altri elementi - i cani e i dettagli dell'abbigliamento - sono tratti da stampe di Albrecht Dürer e Martin Schongauer. Gossart li ha trasformati in una composizione interamente sua: il cane sulla destra ha una prontezza quasi tremolante che non è tratta da Dürer. La padronanza della tecnica della pittura a olio e la padronanza della luce hanno permesso a Gossart di far scintillare l'occhio del cane e di fargli muovere il naso e i baffi.




Hugo van der Goes
Pala di Monforte
(Monforte Altarpiece)
1470 circa
Olio su tavola
147 x 242 cm
Berlino, Gemäldegalerie, Staatliche Museen



La disposizione geometrica della composizione conferisce al quadro la sua potente struttura. Il dipinto è diviso in due registri orizzontali: la zona celeste della stella, della colomba e degli angeli, e la zona terrena della Vergine e del Bambino, dei re e dei pastori. Le figure in ciascuna di esse non si sovrappongono, ma le zone sono unite dalla forte verticalità dell'architettura, sottolineata dagli improvvisi contrasti di luce e ombra. L'architettura non ha alcun senso strutturale, ma serve a enfatizzare le verticalità nella zona inferiore: Il dono di Baldassarre e le estremità della sua sciarpa si allineano con la sezione di muro retrostante, così come le pieghe fortemente illuminate che pendono dal ginocchio destro della Vergine.





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Figure celesti e terrene si fanno eco a vicenda: la posa di Gaspare non è dissimile da quella dell'angelo in rosa immediatamente sopra di lui, mentre la sua forma è ripresa dal cane nell'angolo a destra. Le figure abitano uno spazio profondo, il cui senso di recessione è enfatizzato dalle loro posizioni relative sui quadrati del pavimento. La forte recessione diagonale tra Baldassarre e Melchiorre è evidenziata dal fatto che i due si riflettono e si invertono le pose, e i rosa e i verdi dei loro abiti costituiscono una sorta di contrappunto. Un'altra forte diagonale conduce dal cane in basso a destra a Gaspare e alla Vergine. Il volto della Vergine si trova al centro matematico della composizione: i punti di fuga dei sistemi prospettici sono a destra della sua testa, vicino al pastore che sta dietro l'asino. Gossart cambiò l'originale rosso brillante del suo cappello con un verde-marrone opaco, presumibilmente per renderlo meno invadente.





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Nel 1600 questo grande dipinto si trovava forse nell'abbazia di Sant'Adriano a Geraardsbergen (Graamont), nelle Fiandre orientali. Gossart sembra averlo dipinto per la chiesa tra il 1510 e il 1515 circa, probabilmente per la cappella funeraria di Daniel van Boechout, signore di Boelare vicino a Geraardsbergen. In quel periodo l'artista era al servizio di Filippo di Borgogna, vescovo di Utrecht, con il quale von Boechout era strettamente legato: era membro del suo consiglio, governatore della sua residenza principale ed esecutore testamentario. Gossart probabilmente conosceva bene von Boechout: aveva soggiornato nelle proprietà di Filippo durante il suo viaggio a Roma nel 1508-1509. L'insolito splendore delle vesti dei re potrebbe anche essere collegato alla sua ubicazione originaria, dato che tra le reliquie della collezione dell'abbazia nel 1519 c'era "un pezzo di vestiario di uno dei Re Magi". (Mar L8v)





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view post Posted: 30/12/2023, 21:34     +17L'ADORAZIONE DEI RE - Vincenzo Foppa - ARTISTICA




Vincenzo Foppa
L'adorazione dei Re
(The Adoration of the Kings)
1500 circa
Olio su tavola di pioppo
238.8 × 210.8 cm
Londra, National Gallery


Al termine del loro lungo viaggio, tre re offrono doni al Bambino Gesù, seduto in grembo alla Vergine Maria. Il loro seguito si snoda attraverso il paesaggio collinare da Gerusalemme, visibile in cima a una collina lontana. Gli abiti sfarzosi dei re, le corone d'oro scintillanti e i doni costosi creano un vivido contrasto con le pareti fatiscenti e il tetto diroccato della stalla che ospita la sacra famiglia.





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Questa è l'"Adorazione dei Re", anche se non è la Palestina del primo secolo quella che vediamo. La stalla è un tempio classico in rovina, forse simbolo della religione pagana che il cristianesimo ha sostituito, mentre le dolci colline e le città sono quelle dell'Europa rinascimentale. Dettagli aneddotici danno vita alla processione. In fondo alla folla, due uomini - uno indossa un berretto di pelliccia, l'altro un cappuccio - hanno un falco al polso. A destra, un giovane paggio su un cavallo grigio ha infilato i piedi nelle staffe perché non riesce a raggiungere le staffe.


Questa pala d'altare è la più grande e imponente dell'eccezionale collezione di dipinti della National Gallery realizzati nella Lombardia del XV e XVI secolo, che comprende opere di Cima da Conegliano, Andrea Solario e Giovanni Antonio Boltraffio. Non sappiamo dove e quando sia stato realizzato, né per conto di chi, ma il disegno e la sontuosa decorazione ricordano opere di Gentile da Fabriano e Jacopo Bellini, allora presenti a Brescia. Molti elementi derivano dalla famosa Adorazione di da Fabriano, realizzata nel 1423 per la cappella Strozzi a Firenze, o forse da una versione precedente da lui dipinta per la cappella del Broletto, a Brescia.





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Ma Vincenzo Foppa era anche chiaramente consapevole degli ultimi sviluppi della pittura olandese. L'intera scena è accuratamente strutturata per concentrare l'attenzione sui doni e su Cristo, con forti verticali formate dal re in piedi e dal cavallo grigio a destra e dalla figura eretta della Vergine a sinistra, prolungata verso l'alto dal pilastro alle sue spalle. Una serie di curve a destra è formata dalla schiena del re inginocchiato, dal re dietro di lui con il mantello rosso e dalla collina che li sovrasta. A queste fa eco la curva del collo del cavallo grigio, bilanciata dalla curva dell'arco al centro.





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La regressione è suggerita dalla diminuzione degli edifici in cima alla collina e dalla strada che procede a zig zag, ma anche dalla graduale dissolvenza dei colori. I blu e i rossi più forti sono utilizzati in primo piano, mentre i verdi e i marroni sono più tenui per il paesaggio, che sfuma infine in lontane colline blu. Architetture in rovina, abiti sontuosi e una costruzione gL'indagine tecnica ci ha detto molto sulla flessibilità delle tecniche di Foppa e sulla varietà dei suoi metodi. Alcune figure sono state disegnate a mano libera, ma per molte teste ha utilizzato anche i cartoni a rilievo. Il quadro è eseguito sia a olio che a tempera all'uovo. Alcune aree dorate - le corone, i collari e i doni - sono costruite in pastiglia ricoperta d'oro brunito.





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L'indagine tecnica ci ha detto molto sulla flessibilità delle tecniche di Foppa e sulla varietà dei suoi metodi. Alcune figure sono state disegnate a mano libera, ma per molte teste ha utilizzato anche i cartoni a rilievo. Il quadro è eseguito sia a olio che a tempera all'uovo. Alcune aree dorate - le corone, i collari e i doni - sono costruite in pastiglia ricoperta d'oro brunito. In origine il dipinto doveva essere ancora più colorato. Il mantello della Vergine sarebbe stato di un blu brillante, ma ha perso lo strato superiore di pigmento ultramarino. Alcuni volti hanno assunto una tonalità grigio-argentea a causa dello sbiadimento del pigmento rosso lacustre. (Mar L8v)





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view post Posted: 29/12/2023, 21:31     +14LA MADONNA DEL ROSARIO - Francesco Solimena - ARTISTICA




Francesco Solimena
La Madonna del Rosario
(The Madonna of the Rosary)
1680 circa
Olio su tela
273 x 197,5 cm
Berlino, Gemäldegalerie, Staatliche Museen


La pala d'altare della Madonna del Rosario di Solimena, acquisita nel 1971, è il secondo grande maestro della pittura napoletana alto e tardo barocca ad essere rappresentato nella collezione insieme a Giordano, di cui la Pinacoteca riunita possiede oggi sette opere. Da segnalare anche i due dipinti del contemporaneo di Solimena, un po' più anziano, Paolo De Matteis, e il quadro del suo importante allievo e successore Francesco De Mura. Dall'inizio degli anni Novanta, quando Giordano si recò a Madrid per dieci anni come pittore di corte nel 1692, e soprattutto dalla morte di Giordano nel 1705, Solimena era diventato la personalità artistica assolutamente dominante sulla scena artistica napoletana. "La Madonna del Rosario" è un'opera giovanile dipinta intorno al 1680, quasi due decenni dopo il "San Michele" di Giordano.


A quell'epoca Solimena non aveva ancora sviluppato lo stile freddo e classicista-accademico e la tavolozza di colori scuri e freddi che sarebbero diventati tipici per lui. Lo stile della "Madonna del Rosario" e delle opere affini del 1680 circa è invece caratterizzato da colori brillanti e luminosi, con un'enfasi sul bianco e sul rosso chiaro, da forme fiorite e gonfie, da un modellato sciolto, da una pittura molto impastata e da una pennellata fluida, sintomi stilistici in cui si nota l'influenza di Luca Giordano e Pietro da Cortona, attivi a Roma e a Firenze. "La Madonna del Rosario", ovvero la Madonna con il Bambino che porge il rosario a San Domenico, fondatore dell'ordine domenicano, mentre Santa Caterina da Siena, la più importante santa donna dell'ordine, adora con fervore il Bambino, deve essere stata realizzata come pala d'altare per la cappella del rosario di una chiesa domenicana.


La rappresentazione pittorica della Madonna del Rosario apparve alla fine del XV secolo, ma si diffuse solo nel corso del XVI secolo, soprattutto dopo che papa Gregorio XIII istituì la festa del Rosario (1573) in ricordo della vittoria sui Turchi a Lepanto (1571). Mentre le raffigurazioni in tutta Italia nel XVI secolo e anche nel XVII secolo fuori Roma mostrano la Madonna con una moltitudine di figure adoranti, Solimena si limita ai due santi principali, il fondatore dell'ordine e Santa Caterina da Siena (1347-1380, canonizzata nel 1461). Lo schema compositivo con due soli santi divenne presto predominante nella pittura romana. A Napoli questa tipologia fu introdotta dal pittore Giovanni Lanfranco, che aveva lavorato a Roma dal 1602 al 1633 e si era trasferito a Napoli nel 1634.





Luca Giordano
San Michele
(Saint Michael)
1663
Olio su tela
196.2 x 146.9 cm
Berlino, Gemäldegalerie, Staatliche Museen



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Giovanni Lanfranco
Madonna con il Bambino in trono con i Santi Domenico e Gennaro
(già Sant'Anselmo e Sant'Ugo o San Bruno)
1638
Olio su tavola
300 x 250 cm
Afragola, Chiesa del Rosario


La sua pala d'altare della Madonna in trono con due santi certosini (che si rifà alla sua Madonna del Rosario di Perugia), destinata alla Certosa di San Martino a Napoli e ora ad Afragola, divenne il prototipo a cui si rifece anche Solimena nel suo dipinto berlinese. Le analogie si riscontrano anche per quanto riguarda il grande panneggio rosso, che nel dipinto di Lanfranco è sostenuto da un grande angelo in alto a sinistra. Solimena aveva originariamente dipinto un angelo simile in un luogo simile. Con la mano sinistra tiene un rosario sulla testa di Maria; un altro putto volante stava lavorando sul panneggio più a destra. La radiografia mostra chiaramente entrambe le figure. (Mar L8v)



view post Posted: 28/12/2023, 21:18     +5Madonna Garvagh (Madonna Aldobrandini) - Raffaello


Maria Santissima è veramente
la mistica scala per la quale è
disceso il Figlio di Dio sulla terra
e per cui salgono gli uomini al cielo...





Raffaello Sanzio
The Garvagh Madonna
(Madonna Garvagh, Madonna Aldobrandini)
1510-1511
Olio su tavola
38.7 x 32.7 cm
Londra, National Gallery


Si tratta di una delle numerose Madonne di piccole e medie dimensioni realizzate da Raffaello negli anni immediatamente successivi al suo arrivo a Roma, nello stesso periodo in cui dipingeva il suo capolavoro: una suite di stanze del palazzo vaticano per il papa, le cosiddette stanze papali. Il dipinto fu probabilmente realizzato per un membro della corte papale a scopo di devozione privata, anche se non sappiamo chi lo commissionò. Il dipinto è oggi noto come "Madonna Garvagh" o "Madonna Aldobrandini", dal nome di due dei suoi precedenti proprietari.


La Vergine Maria è seduta in una complessa posa rotatoria - di lato su una semplice panca o un basamento con una gamba infilata sotto l'altra. Indossa un copricapo a strisce blu, verdi e dorate legato a mo' di turbante, che probabilmente era di moda a Roma all'epoca di Raffaello. Il Cristo bambino è seduto sulle ginocchia della madre e guarda verso il giovane Giovanni Battista, che gli porge un garofano rosso, simbolo dell'amore divino e della futura Passione di Cristo. I loro sguardi suggeriscono i pensieri che passano tra loro. Lo spazio tra le mani dei bambini è il centro stesso dell'attenta geometria della composizione, enfatizzata dalle linee dello sfondo architettonico e dai lineamenti della Vergine. La posa di Cristo è molto naturale, anche se sembra avere una consapevolezza superiore ai suoi anni. La Vergine sembra persa in un pensiero malinconico mentre avvicina a sé la morbida pelliccia di Giovanni Battista e raccoglie il suo mantello per coprire il Cristo nudo. Forse sta pensando al destino dei bambini.





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Due aperture ad arco, ai lati della Vergine, rivelano scorci che ricordano la campagna fuori Roma. Dall'arco di sinistra si vede una chiesa con campanile e colline avvolte da una foschia blu. Un edificio più grande, forse anch'esso una chiesa, è visibile attraverso l'arco di destra. Nel disegno sottostante, il paesaggio continua sotto l'architettura centrale, il che suggerisce che Raffaello avesse inizialmente intenzione di collocare le figure davanti a un semplice parapetto di pietra, ma che poi abbia cambiato idea. I colori vivaci degli abiti della Vergine - il rosa acceso della veste e i due blu sottilmente diversi della camicia e del mantello - sono ripresi dalle tinte pastello più tenui e sbiadite del paesaggio nebbioso.


Uno studio per il dipinto su carta rosa conservato al Musée des Beaux Arts di Lille mostra che Raffaello ha sperimentato diverse posizioni per i bambini. Non c'è traccia che il progetto per il dipinto finale sia stato trasferito da un disegno, ma c'è un piano geometrico molto preciso nel disegno di fondo della tavola. Lo sfondo scuro e le modanature dell'architettura incorniciano molto efficacemente il volto ovale della Vergine e la delicata curva del suo collo.





Raffaello Sanzio
Studio per la Madonna Garvagh
(Study for the Garvagh Madonna)
1509-1511
Penna metallica su carta preparata rosa
16.2 x 11.3 cm
Lilla, Musée des Beaux-Arts






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Questo approccio di mostrare la Vergine in un interno tra due finestre ad arco ricorre nelle prime opere di Leonardo, ed è possibile che Raffaello avesse in mente questi esempi. Anche la complessa interazione psicologica tra le figure riflette le innovazioni precedenti di Leonardo. Le figure sono perfettamente integrate nell'ambiente, creando un senso di ordine e di calma contemplazione.

Raffaello rende visibile l'armonia divina attraverso la geometria...



(Mar L8v)








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view post Posted: 27/12/2023, 21:50     +8MARKET WOMAN AT A VEGETABLE STAND - Pieter Aertsen - ARTISTICA




Pieter Aertsen
Donna del mercato al banco degli ortaggi
(Market Woman at a Vegetable Stand)
1567
Olio su tavola
128 x 128 cm
Berlino, Gemäldegalerie, Staatliche Museen


Pieter Aertsen e suo nipote Joachim Beuckelaer (1530 circa - 1574 circa) gettarono le basi decisive per lo sviluppo della natura morta come genere artistico indipendente. Dopo l'apprendistato ad Amsterdam, Aertsen si era stabilito ad Anversa intorno al 1530, dove aveva raggiunto ricchezza e prestigio, per poi tornare ad Amsterdam nel 1555. Anche in questo caso non gli mancarono le commissioni. Furono soprattutto le sue nature morte ad essere ammirate e si dice che gli valsero la commissione della pala d'altare della Oude Kerk di Amsterdam. Sebbene Aertsen si fosse già da tempo fatto un nome con le sue rappresentazioni religiose, le sue nature morte, con la loro ingannevole vicinanza alla natura, lasciarono un'impressione più profonda sui suoi contemporanei. Questo dipinto, appartenente all'ultimo periodo dell'artista, è interamente caratterizzato da una magnifica natura morta di colture e alberi.


In colori intensi e vibranti, il raccolto e i vari prodotti per la cucina e la tavola sono esposti in un'abbondanza quasi smisurata su un display inclinato. Al centro di questa esposizione, che sollecita tutti i sensi dello spettatore, siede la giovane moglie di un contadino, con le braccia aperte che indicano invitantemente la sua merce. Indossa un grande cappello di paglia, un abito rosso con corpetto nero e colletto bianco e un grembiule grigio-blu. La merce disposta intorno a lei in cesti come in una natura morta comprende cetrioli, zucche, rape, ravanelli, cavolo bianco, rosso e verza, uva, mele, pesche, noci e castagne. In mezzo ci sono cialde, pane e dolci.


Un pezzo di burro su un piatto, limoni come strani frutti e un'aringa salata completano l'insieme. Frutta e verdura alludono alla stagione autunnale, quando già ci si prepara per l'inverno. I dipinti di Aertsen si basano sempre su idee legate alle quattro stagioni, ai quattro elementi o ai cinque sensi. Sullo sfondo dei suoi dipinti, Aertsen include spesso una scena religiosa, come la visita di Cristo a Maria e Marta, i discepoli di Emmaus o Cristo e l'adultera. Tali scene si riferiscono antiteticamente alla sensualità dell'uomo. Anche nel nostro quadro, la coppia che si accarezza sullo sfondo ci ricorda che la devozione ai sensi, la "voluptas carnis", minaccia la salvezza dell'anima dell'uomo. Il carro vuoto e il cavallo non sellato parlano un linguaggio chiaro.


Al contrario, la donna del mercato nel mezzo delle sue esposizioni e il contadino che guida il bue al mercato possono essere misurati, letteralmente e figurativamente, dai frutti del loro lavoro. Tuttavia, anche questi non sono la misura di tutte le cose. Il limone, che nell'emblematica simboleggia la bellezza esteriore, è amaro all'interno. Indica l'incertezza dell'indulgenza, le cui conseguenze sono amare e significano la perdita della salvezza. L'aringa, che appare così strana nella nostra natura morta, è sempre stata consumata come cibo per il digiuno. Il digiuno, però, è un esercizio che rafforza l'uomo contro le tentazioni dei sensi ed è in grado di condurlo sulla retta via della salvezza. Da questo punto di vista, il dipinto di Aertsen contiene un messaggio che sottolinea il dualismo della vita umana e ci ricorda di fare un uso corretto dei nostri beni terreni. (Mar L8v)



view post Posted: 26/12/2023, 21:11     +12VISIONE DI PAPA CLEMENTE I - Giambattista Tiepolo - Tiepolo




Giambattista Tiepolo
Visione di papa Clemente I
(A Vision of the Trinity - appearing to Pope Saint Clement I ?)
1735-1739
Olio su tela
69.2 × 55.2 cm
Londra, National Gallery


Questo piccolo schizzo a olio o modello si riferisce a una pala d'altare che Giambattista Tiepolo dipinse intorno al 1735 per la cappella del palazzo di Nymphenburg, alle porte di Monaco di Baviera (ora alla Alte Pinakothek, Monaco di Baviera). Fu realizzato per consentire al committente di vedere come sarebbe stata la pala d'altare, ma è talmente rifinito da poter essere considerato un'opera d'arte completa a sé stante. La versione definitiva fu tra i primi dipinti di Tiepolo a raggiungere la Germania; l'artista trascorse la maggior parte della sua carriera lavorando a Venezia e altrove in Italia.





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Tiepolo è stato celebrato per il suo uso del colore e della luce. Qui, fasce di audaci colori primari - il rosso del tappeto, il giallo oro della veste di San Clemente e il blu dei panneggi degli angeli - segnano le parti terrene, sacre e celesti del dipinto. A questi colori si contrappongono le minuscole e scintillanti decorazioni dell'incensiere d'argento, utilizzato per bruciare l'incenso durante il culto religioso, in basso a destra. Una nuvola argentea trasporta le figure sacre verso l'alto in una spirale di movimento. Anche il santo inginocchiato sembra muoversi verso l'alto, verso la sua visione. L'effetto è allo stesso tempo altamente drammatico ed elegantemente raffinato.


Tiepolo è stato celebrato per il suo uso del colore e della luce. Qui, fasce di audaci colori primari - il rosso del tappeto, il giallo oro della veste di San Clemente e il blu dei panneggi degli angeli - segnano le parti terrene, sacre e celesti del dipinto. A questi colori si contrappongono le minuscole e scintillanti decorazioni dell'incensiere d'argento, utilizzato per bruciare l'incenso durante il culto religioso, in basso a destra. Una nuvola argentea trasporta le figure sacre verso l'alto in una spirale di movimento. Anche il santo inginocchiato sembra muoversi verso l'alto, verso la sua visione. L'effetto è allo stesso tempo altamente drammatico ed elegantemente raffinato.





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Giambattista Tiepolo apportò diverse modifiche alla composizione di questo bozzetto, la più significativa delle quali riguarda la figura di San Clemente: inizialmente era più alto e non alzava la testa verso la sua visione. I cambiamenti tra questo modello e la pala d'altare sono minimi, anche se in quest'ultima la cornice è molto più scura. (Mar L8v)





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view post Posted: 26/12/2023, 13:35     +12TESTA DI UN VECCHIO (Head of an Old Man) - Annibale Carracci - ARTISTICA


"Le rughe della vecchiaia formano le più belle scritture della vita,
quelle sulle quali i bambini imparano a leggere i loro sogni."





Annibale Carracci
Testa di un vecchio
(Head of an Old Man)
1590-1592
Olio carta incollata su tela
39.4 x 27.9 cm
Londra, Dulwich Picture Gallery


Il volto forte e caratteristico dell'anziano in questo studio dinamico è senza tempo. Realizzato con una pittura sciolta ed espressiva, l'artista italiano Annibale Carracci (1560-1609) cattura perfettamente il realismo del suo soggetto, che si accarezza la barba come se fosse perso nei suoi pensieri. L'insieme di pennellate delicate dà l'idea della velocità con cui Carracci ha realizzato questo studio, riempiendo rapidamente l'intero piano dell'immagine con la testa dell'uomo per formare un primo piano estremo. Come soggetto, il volto onesto del vecchio ha fornito a Carracci non solo l'opportunità di studiare gli effetti dell'invecchiamento, ma anche di sperimentare la tecnica. Con una tavolozza limitata di colori della terra, Carracci ha utilizzato una serie di segni per catturare le diverse trame presenti. Pennellate asciutte e irregolari di bianco tracciano le ciocche dei capelli arruffati dell'uomo, con scorci di strati pittorici più caldi che si intravedono attraverso i segni spezzati. Al contrario, Carracci ha applicato pennellate più spesse per tracciare le rughe della fronte aggrottata dell'uomo. Un fondo arancione smerigliato conferisce un calore armonioso allo studio, soprattutto nei punti in cui Carracci lo ha lasciato trasparire attraverso i sottili strati di pittura, ad esempio lungo il lato sinistro del volto e nella mano. Questo schizzo doveva essere uno dei tanti che Carracci realizzava come parte della sua normale pratica di lavoro nello studio.


Nato a Bologna, nell'Italia settentrionale, Annibale Carracci proveniva da una famiglia di artisti e lavorò insieme al fratello Agostino (1557-1602) e al cugino Ludovico (1555-1619). I Carracci si distinsero per la loro originalità, rifiutando il manierismo degli artisti del tardo Cinquecento - uno stile visto come idealizzato e artificiale - per perseguire invece un approccio artistico basato sul ritorno allo studio della natura. Per diffondere le loro idee, aprirono a Bologna l'Accademia degli Incamminati, spesso considerata la prima scuola d'arte basata sul disegno dal vero. Questo schizzo potrebbe essere stato realizzato come esercizio visivo, a scopo didattico o come lavoro preparatorio per una composizione più ampia. Traendo ispirazione dal mondo che lo circondava, Annibale Carracci era un insaziabile osservatore della vita reale, sempre pronto a catturare un personaggio che potesse poi essere reimmaginato in un dipinto storico o in un affresco sul soffitto. Si dice addirittura che consumasse i pasti con una matita in mano e che utilizzasse qualsiasi cosa nelle vicinanze per registrare un volto memorabile, persino una lista della biancheria. Questo schizzo è stato dipinto direttamente su carta e successivamente incollato su tela, la cui superficie è ancora visibile attraverso le sottili lavature di colore. (Mar L8v)







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view post Posted: 25/12/2023, 21:03     +12IL MARTIRIO DI SAN SEBASTIANO NELL'ARTE - CAFFE' LETTERARIO




Georges de La Tour
Il ritrovamento di San Sebastiano
(The Finding of St. Sebastian)
1649 circa
Olio su tela
179.3 x 146.1 cm
Berlino, Gemäldegalerie, Staatliche Museen


Poiché l'ufficiale romano Sebastiano si rifiutò di rinunciare alla sua fede cristiana, la leggenda narra che fu condannato a morte dagli arcieri imperiali dall'imperatore Diocleziano nel 286. Dopo la sua esecuzione, Sant'Irene si precipitò da lui di notte per recuperarne il corpo e assicurargli una sepoltura cristiana. Tuttavia, trovò Sebastiano vivo e lo accolse nella sua casa per curarlo. Il dipinto del pittore francese George de La Tour raffigura la scena di notte. Irene, vestita con una semplice tunica scura con cintura rossa e foulard, ha scoperto il corpo senza vita del santo insieme alle sue compagne.





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Una cameriera con una torcia e uno splendido vestito si inginocchia accanto a Sebastiano e gli stringe il polso come se volesse sentirne il battito. Altri due inservienti rimangono lì, lamentandosi e pregando. Irene è l'unica completamente rivolta verso Sebastiano e lo guarda con le lacrime agli occhi. L'uso volutamente parsimonioso dei gesti esprime lo sgomento e il dolore delle donne, e la messa in scena della luce gioca un ruolo importante nell'opera di La Tour. Nelle composizioni notturne, una torcia o una candela sono di solito l'unica fonte di luce.


Per la sua predilezione per la pittura ad alto contrasto di chiaroscuro, l'artista viene classificato come caravaggista. Una seconda copia della composizione, proveniente dalla chiesa di Broglie, nell'Eure, si trova oggi al Louvre di Parigi. Le radiografie hanno evidenziato significativi ripensamenti nella versione parigina. Nel dipinto di Berlino, invece, non è possibile rilevare alcuna modifica da parte del pittore. Resta da vedere se si tratta di una seconda versione di mano di La Tour, di una replica di bottega creata dal figlio Etienne e completata dal padre, o di una copia contemporanea. (Mar L8v)





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view post Posted: 24/12/2023, 21:15     +15RINALDO E ARMIDA - Giambattista Tiepolo - Tiepolo


Teneri sdegni, e placide e tranquille
repulse, e cari vezzi, e liete paci,
sorrise parolette, e dolci stille
di pianto, e sospir tronchi, e molli baci:
fuse tai cose tutte, e poscia unille
ed al foco temprò di lente faci,
e ne formò quel sí mirabil cinto
di ch’ella aveva il bel fianco succinto.

(Torquato Tasso, Gerusalemme Liberata, XVI-25)





Giambattista Tiepolo
Rinaldo e Armida nel Giardino magico di Armida
(Rinaldo and Armida in Armida's Magic Garden)
1750-1753
Olio su tela
39.4 x 62.5 cm
Berlino, Gemäldegalerie, Staatliche Museen


In una lettera della camera di corte di Würzburg del 29 maggio 1750 si menziona per la prima volta che Giambattista Tiepolo aveva accettato di eseguire lavori per la residenza di Würzburg del principe vescovo Carl Philipp von Greiffenclau, costruita da Balthasar Neumann. Il 12 dicembre 1750 Tiepolo arrivò a Würzburg con i due figli Domenico e Lorenzo, dove rimase per quasi tre anni. L'affresco del soffitto del grande scalone, datato 1753, è il culmine del suo lavoro. Oltre alla decorazione ad affresco della Kaisersaal (1752) e ai dipinti per la cappella (1752), nel 1753 dipinse probabilmente due tele di medie dimensioni per stanze della Residenza non precisate, con scene tratte da uno degli episodi amorosi più noti e rappresentati dell'epopea in versi "La Gerusalemme liberata" di Torquato Tasso (1581): "Rinaldo e Armida nel giardino magico di Armida" e "L'addio di Rinaldo ad Armida". I due dipinti sono tornati a Berlino dal 1974. Nel 1908, Wilhelm von Bode riuscì ad acquistare il piccolo bozzetto, simile a un modello, della prima delle due scene del Tasso per la Gemäldegalerie di Berlino. Nel 1979 è riuscito ad acquisire il bozzetto del secondo dipinto di Würzburg dalla Collezione Cailleux di Parigi.





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In questo modo si riunisce la coppia di bozzetti per le controparti di Würzburg e si ripristina il contesto originario dei due dipinti, che si completano a vicenda in termini di contenuto, formano un insieme e sono armonizzati dal punto di vista compositivo. Rimane controverso se i quadri di Berlino siano schizzi preparatori, simili a modelli, per i quadri di Würzburg, come ipotizza la maggior parte degli studiosi, o se siano ripetizioni modificate dal maestro in un formato più piccolo, le cosiddette "versioni piccole", come ipotizzava Rizzi (1971), datandole di conseguenza al 1755/60 circa. Nella prima scena, la composizione del "bozzetto" e del dipinto eseguito coincidono in larga misura per quanto riguarda le figure e gli elementi essenziali dell'ambientazione paesaggistica, anche se il rapporto tra queste due componenti è molto diverso. Nell'altra scena, la composizione stessa è molto differente. Come è noto, l'epopea in versi del Tasso e il "Rolando furioso" dell'Ariosto (1516) furono i poemi contemporanei di carattere profano che divennero le fonti pittoriche più importanti in questo ambito per la pittura del XVII e XVIII secolo. Le analogie tra questi poemi, il cui tema era la difesa e la vittoria della cristianità nella lotta contro i pagani saraceni, e gli eventi dell'epoca, in gran parte determinati dalla Controriforma e dalle guerre turche, sono evidenti.


Tuttavia, i pittori non scelsero quasi mai scene della trama principale di Goffredo di Buglione, come l'assedio e la conquista di Gerusalemme, ma piuttosto episodi romanzeschi di carattere erotico e arcadico-bucolico. Tra questi episodi c'è l'incontro tra il cavaliere cristiano Rinaldo degli Estensi e la maga Armida, inviata nell'accampamento cristiano dallo stregone Hidraot di Damasco per creare confusione e abbindolare i cavalieri. Lasciò l'accampamento con dieci cavalieri, che le furono affidati come scorta, altri la seguirono; in seguito Rinaldo liberò alcuni cavalieri dall'incantesimo di Armida. Per vendicarsi di lui, lo fece addormentare da una sirena, ma se ne innamorò a prima vista e portò l'uomo addormentato alle Isole Felici nell'oceano. Nel giardino magico, Rinaldo subisce il suo fascino: Armida gli porge il suo specchio magico, nel quale si riflette e nel quale vede le sue fattezze. La prima immagine raffigura la prima canzone. Un pappagallo, seduto sul bordo della fontana e che beve dall'acqua, canta nel poema di Tasso la bellezza della natura, l'amore e la caducità delle cose terrene. Sulla destra, si avvicinano i cavalieri Carlo e Ubaldo, partiti dall'accampamento dei crociati per cercare Rinaldo e riportarlo indietro, armati dello scudo di diamante e della verga del saggio di Ascalon, con cui hanno superato tutti gli ostacoli.

Qual sonno o qual letargo ha sí sopita
la tua virtute? o qual viltà l’alletta?
Su su; te il campo e te Goffredo invita,
te la fortuna e la vittoria aspetta.
Vieni, o fatal guerriero, e sia fornita
la ben comincia impresa; e l’empia setta,
che già crollasti, a terra estinta cada
sotto l’inevitabile tua spada.

(Torquato Tasso, Gerusalemme Liberata, XVI-33)





Giambattista Tiepolo
L'addio di Rinaldo ad Armida
(Rinaldo's Farewell from Armida)
1750-1753
Olio su tela
52.7 x 75.3 cm
Berlino, Gemäldegalerie, Staatliche Museen


La seconda scena mostra Carlo e Ubaldo che strappano Rinaldo alle sue delusioni d'amore, lo trascinano via da Armida e lo riportano alla realtà. Uno dei due guerrieri sostiene Rinaldo, affranto e rassegnato al suo destino, gli parla e cerca di condurlo via a destra, lontano da Armida a sinistra, che è ancora appoggiata a terra e si rivolge a Rinaldo, cercando di trattenerlo con un gesto della mano che indica il muro del suo giardino. Ma la sua postura e l'espressione del viso parlano di una lamentosa rassegnazione. Lo scudo e l'elmo del cavaliere sono ancora accanto a lei. Il suo specchio, che non ha più alcun effetto, giace con noncuranza all'ombra del muro. Rinaldo tiene ancora in mano un filo di fiori. Sullo sfondo a destra c'è la barca con il rematore che porterà via i cavalieri, di ritorno all'esercito dei crociati, dove Goffredo da Buglione perdonerà Rinaldo e gli affiderà nuovi compiti. La barca manca nel quadro di Würzburg, che ha un formato orizzontale molto meno allungato di quello di Berlino (il che potrebbe far propendere per l'ipotesi che si tratti di uno schizzo preparatorio); la scena appare in direzione opposta rispetto al bozzetto. Il gruppo di alberi dietro il muro del giardino è l'unico elemento compositivo che corrisponde nel bozzetto e nel dipinto eseguito.





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Armida è reclinata nell'angolo anteriore destro del quadro, rivolta nella stessa direzione del bozzetto (la posizione della gamba tesa è identica), ma con lo sguardo rivolto a sinistra, tenendo in mano un panno per asciugare le lacrime. Rinaldo è in piedi a sinistra davanti al muro, in una postura determinata dal contrapposto, e la guarda di spalle con uno sguardo di perdono, con la mano sinistra posta davanti al petto in un gesto patetico. I due cavalieri si rivolgono ad Armida e le porgono lo scudo di diamanti che spezza il suo potere. La spontaneità dell'azione nel bozzetto berlinese si è solidificata in una rappresentazione declamatoria e scenica nell'immagine di Würzburg. Ciò si riflette nel rapporto alterato tra le figure e il paesaggio. Nel quadro finito, le figure agiscono su un palcoscenico in primo piano, enfatizzato da un chiaroscuro più forte, mentre lo sfondo scenico si allontana. Tiepolo aveva già affrontato lo stesso tema dieci anni prima, intorno al 1742, nella decorazione di un'intera sala con scene del Tasso (Chicago e Londra), che secondo Knox (1978) era forse destinata al Palazzo Dolfin-Manin di Venezia. In un disegno a penna e inchiostro a Francoforte (Städelsches Kunstinstitut) per questa prima serie, compare il portico palladiano, che Tiepolo utilizzerà poi per la prima volta in pittura nelle scene di Berlino e Würzburg. L'interesse di Tiepolo per il soggetto del Tasso culmina negli affreschi di Villa Valmarana presso Vicenza (1757).

"Tacque, e ‘l nobil garzon restò per poco
spazio confuso e senza moto e voce.
Ma poi che diè vergogna a sdegno loco,
sdegno guerrier de la ragion feroce,
e ch’al rossor del volto un novo foco
successe, che piú avampa e che piú coce,
squarciossi i vani fregi e quelle indegne
pompe, di servitú misera insegne;

ed affrettò il partire, e de la torta
confusione uscí del labirinto."

(Torquato Tasso, Gerusalemme Liberata, XVI, 34-35)




(Mar L8v)






view post Posted: 23/12/2023, 21:08     +17BETSABEA AL BAGNO - Sebastiano Ricci - ARTISTICA




Sebastiano Ricci
Betsabea al bagno
(Bathseba in her Bath)
1725 circa
Olio su tela
129.3 x 162.7 cm
Berlino, Gemäldegalerie, Staatliche Museen


Sebastiano Ricci fu il primo pittore del Settecento veneziano a liberare la pittura dalla tradizione del Seicento e a inaugurare una nuova era pittorica che culminò nelle opere del Tiepolo. Il dipinto berlinese di "Betsabea al bagno" risale al tardo periodo veneziano di Ricci e fu realizzato intorno al 1725. Federico il Grande lo acquistò (come presunto Veronese) tra il 1764 e il 1773 per la pinacoteca di Sanssouci. Solo all'inizio del XX secolo è stato identificato il vero autore. Anche il fatto che si trattasse della storia di Betsabea scomparve presto dalla nostra coscienza. In tutti i cataloghi berlinesi dal 1830 al 1921, il quadro è stato chiamato "Dopo il bagno", nel catalogo del 1931 "Toilette di Venere". In effetti, manca la figura di Davide che si affaccia dai merli del suo palazzo per vedere Betsabea che fa il bagno.


Solo la figura del messaggero con la lettera d'amore di Davide sullo sfondo all'estrema sinistra rende possibile l'identificazione. Il significato morale di questa storia, la punizione di Davide per il peccato di aver sedotto Betsabea in adulterio, è qui completamente soppresso a favore dell'omaggio alla bellezza del corpo femminile. Anche le rappresentazioni di altre figure femminili dell'Antico Testamento e di eroine della storia romana (Susanna, Lucrezia, Cleopatra) sono state interpretate e armonizzate in questo modo nella pittura italiana del XVII e XVIII secolo.


Come ambientazione è stata scelta una villa veneta rinascimentale, un ambiente architettonico che Veronese utilizzava spesso come sfondo per i suoi dipinti. Ricci evoca il suo grande modello anche nello stile delle figure, nel trattamento delle magnifiche vesti e nella combinazione di colori festosi e allegri, impostati su un tono bianco-giallo-blu-rosso. Nello stesso periodo, Ricci dipinse nuovamente il soggetto, sempre in formato paesaggistico ma su una tela più grande (Budapest, Museo di Belle Arti). Di questo dipinto si conoscono due repliche, di cui almeno una dello stesso Ricci. Qui Betsabea non è raffigurata in posa frontale e con un'elaborata acconciatura a spilli e perline, coperta da un foulard nella parte posteriore, ma di profilo, con i lunghi capelli biondi sciolti che la serva sta pettinando.





Sebastiano Ricci
Betsabea al bagno
(Bathsheba at her Bath)
1724
Olio su tela
118.5 x 199 cm
Budapest, Museum of Fine Arts



Anche in questo caso, la scena è ambientata in una villa veneziana del Rinascimento. Mentre qui l'architettura di fondo corre parallela al quadro e la vasca dell'acqua è rettangolare, nel quadro di Berlino la vasca è arrotondata ai lati e l'architettura di fondo è curva. Ricci ha contrapposto il contorno curvilineo del muro bianco con le sue nicchie e le sue lesene a destra con il contorno curvilineo del lenzuolo bianco a sinistra, che il servo tende per proteggere la nuda Betsabea dagli sguardi indiscreti. Tuttavia, questo non vale per lo spettatore del quadro: la figura in fondo sembra letteralmente condurlo nello spazio del quadro. (Mar L8v)



view post Posted: 21/12/2023, 21:33     +12IL MARTIRIO DI SANT'AGATA - Giambattista Tiepolo - Tiepolo




Giambattista Tiepolo
Il martirio di Sant'Agata
(The Martyrdom of St. Agatha)
1753-1755
Olio su tela
187.8 x 135.5 cm
Berlino, Gemäldegalerie, Staatliche Museen


Una delle creazioni più classiche degli anni veneziani del Tiepolo è l'ex pala dell'altare maggiore della chiesa conventuale benedettina di Sant'Agata a Lendinara, vicino a Rovigo, che l'artista dipinse intorno al 1755, dopo il suo ritorno da Würzburg nel 1753. Raffigura la morte della santa titolare, vissuta a Catania nella prima metà del III secolo e che subì il martirio nel 251. Proveniva da una ricca famiglia aristocratica e dedicò la sua vita a Cristo fin da giovane. Fu sottoposta a varie tentazioni dal giovane Quinziano, arrestata e torturata. Un boia le tagliò i seni. Quando fu riportata in prigione, San Pietro le apparve e la guarì. Quando fu nuovamente torturata, una parte dell'edificio crollò improvvisamente, seppellendo sotto di sé due carnefici. A Catania scoppiò un terremoto. Dopo la preghiera di ringraziamento perché il suo corpo era rimasto illeso, morì. Nell'anniversario della sua morte, l'Etna eruttò.





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Il telo che copriva la sua tomba fu portato verso la colata lavica, fermandola. La sua protezione fu d'ora in poi invocata per scongiurare i terremoti. Mentre i pittori italiani del primo Barocco prediligevano rappresentare l'episodio della guarigione di Sant'Agata da parte di Pietro in carcere, il dipinto del Tiepolo ne raffigura il martirio. La donna è semicrollata sui gradini di un'antica struttura architettonica, con lo sguardo rivolto verso l'alto con aria rassegnata, mentre una serva le copre il seno mutilato con un panno e un giovane accanto a lei porta i suoi seni recisi su un catino. Tiepolo non ha raffigurato il momento dell'esecuzione del supplizio, evitando così la drasticità del macabro e del sanguinario. È invece decisiva l'impressione di fermezza, di serena fiducia in Dio e di forza della fede che emana dalla santa. Il suo volto è sorretto e incorniciato, per così dire, dalle teste del giovane e del servo, che si rivolgono verso di lei con dolcezza e coccole, mentre la figura impetuosa e minacciosa del brutale carnefice, che appare alle sue spalle e sopra di lei sulla destra, ne costituisce la controparte drammatica con il gesto teso del braccio destro.


L'energia della testa proiettata verso sinistra è contenuta dalla possente colonna svettante, la cui verticalità riecheggia simbolicamente e formalmente lo sguardo del santo verso l'alto. Tuttavia, la colonna non è più visibile in tutta la sua altezza originale. Come mostra l'incisione del figlio di Giovanni Battista, Giovanni Domenico, l'immagine era originariamente semicircolare nella parte superiore. Il fusto della colonna terminava con una rottura, lo stato di rovina forse alludeva al crollo del palazzo e al terremoto. A sinistra, tra le nuvole, c'era la visione dei santi, il cuore fiammeggiante di Cristo circondato dalla corona di spine, con due teste d'angelo che lo circondavano. Nel 1795 il dipinto era già in cattive condizioni. Scomparve dalla chiesa quando il convento fu secolarizzato nel 1810 o al più tardi nel 1832/35, quando un sacerdote acquistò l'edificio ecclesiastico dall'amministrazione austriaca e lo consegnò ai Cappuccini, che lo ristrutturarono e dedicarono l'altare maggiore a San Francesco. Anche il dipinto di Tiepolo è stato ritagliato di quindici centimetri nella parte inferiore. Due disegni preparatori per la testa del santo si trovano nel Kupferstichkabinett di Berlino, mentre uno studio per le mani del giovane che regge la coppa è conservato al Museo Correr di Venezia. (Mar L8v)



view post Posted: 20/12/2023, 21:15     +12NATURA MORTA CON STRUMENTI MUSICALI - Pieter de Ring - ARTISTICA


Memento, homo, quia pulvis es,
et in pulverem reverteris





Pieter de Ring
Natura morta con strumenti musicali
(Still Life with Musical Instruments)
1650
Olio su tela
105.6 x 81.7 cm
Berlino, Gemäldegalerie, Staatliche Museen


Pieter de Ring si specializzò nelle nature morte e divenne noto soprattutto per le sue ricche rappresentazioni di banchetti. Il dipinto di Berlino appartiene al periodo maturo dell'artista. Dal punto di vista tematico, appartiene al campo delle cosiddette vanitas e si inserisce nella tradizione delle nature morte di Leida, come quelle di David Bailly il Vecchio, Jaques de Gheyn o Jan Davidsz. Riprende anche elementi educativi umanistici nella figurazione e riflette così l'ambiente culturale della prima università olandese di Leida. Tutti gli oggetti del dipinto berlinese sottolineano l'idea di vanitas.


Il globo terrestre, con il suo riferimento all'allora possedimento coloniale spagnolo del Messico, simboleggia sia la scienza naturale che il potere mondano. Il libro, usurato dall'uso frequente, è un simbolo dell'educazione ingannevole, e allo stesso tempo rappresenta la poesia e le arti visive. La pagina sinistra del libro riporta la scritta Memento mori (ricorda la morte) sotto l'angolo piegato e una poesia i cui versi leggibili riflettono anche l'idea di caducità


Le bolle di sapone che il giovane sta soffiando nel disegno del libro rimandano all'immagine dell'homo bulla (l'uomo è una bolla di sapone). Il violino, il flauto e gli spartiti, ma anche il nautilus, simboleggiano il senso di vanità e caducità contenuto nella musica. Anche i dadi, i borsellini vuoti, le monete d'oro e d'argento, come la perla su una catena d'oro, simboleggiano l'incertezza e la fugacità dei beni terreni. Appoggiata al globo c'è la clessidra, antico simbolo del tempo che passa.





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Un anello con sigillo sul fusto del calamaio può essere visto come un utensile per scrivere, ma potrebbe anche essere una seconda firma del nome dell'artista, dato che anche Pieter de Ring firmava i suoi dipinti con la raffigurazione di un anello. L'atmosfera elegante continua nella vista della finestra, che rivela un pilastro ricoperto di foglie di vite. La luce obliqua proveniente da lì crea un affascinante effetto trompe-l'oeil sul flauto e sulla penna d'oca. (Mar L8v)



view post Posted: 19/12/2023, 21:14     +11A CITY PARK - William Merritt Chase - ARTISTICA




William Merritt Chase
A City Park
1887 circa
Olio su tela
34.6 × 49.9 cm
Art Institute of Chicago


William Merritt Chase è stato uno dei pittori più influenti degli Stati Uniti a cavallo del XX secolo. Dopo un lungo soggiorno in Europa, terminato con l'apertura del suo studio a New York nel 1878, Chase dimostrò la sua straordinaria versatilità, dipingendo ritratti, paesaggi, nature morte e scene di genere. Il suo vigore come artista fu eguagliato dalla sua lunga e fortunata carriera di insegnante: i suoi corsi presso l'Art Students League di New York e la Shinnecock Hills Summer School di Long Island attirarono molti studenti.


A metà degli anni Ottanta del XIX secolo, Chase intraprende un gruppo di dipinti en plein-air ispirati ai parchi di New York. Influenzato dai colori brillanti e dai formati compositivi poco ortodossi degli impressionisti francesi, spesso contrappone a un primo piano ampio e relativamente vuoto uno sfondo dettagliato. In questo dipinto, che probabilmente raffigura il Tompkins Park di Brooklyn, quasi metà della tela è occupata dall'ampia passerella vuota che, con i suoi forti bordi diagonali, porta lo sguardo all'interno della composizione.


Questo rapido movimento nello spazio è rallentato dalla donna sulla panchina, che sembra guardare in attesa di qualcuno che si avvicina lungo il sentiero. A sinistra, fiori colorati fanno da contrasto alla spoglia passeggiata di destra. Quest'opera informale e apparentemente spontanea, che cattura lo scintillio, la luce e l'attività di una giornata estiva, testimonia la freschezza e la vitalità che Chase apportava alla pittura di tali scene. (Mar L8v)



view post Posted: 18/12/2023, 21:12     +8I RITRATTI FEMMINILI DI JOHN SINGER SARGENT - ARTISTICA




John Singer Sargent
Strada a Venezia
(Street in Venice)
1882
Olio su tavola
45.1 x 53.9 cm
Washington, National Gallery of Art


Il quadro è una delle numerose scene veneziane dipinte o disegnate da Sargent, che trascorse la maggior parte della sua vita in Europa, durante il suo soggiorno in città. Come in altre sue opere, il dipinto ignora in larga misura gli aspetti architettonici per i quali la città è maggiormente conosciuta e si concentra invece su immagini taglienti di strade secondarie. L'influenza dell'Impressionismo è evidente in alcune caratteristiche di quest'opera, soprattutto nelle ampie pennellate del vestito e nell'insolito ritaglio della composizione.


La donna è osservata da due uomini intimidatori, di colore scuro, intenti a conversare sulla destra dell'inquadratura. Sullo sfondo centrale, una coppia è seduta all'esterno di un caffè o di un bar, anch'essa intenta a conversare. La coppia è interessata solo a se stessa, al contrario dei due uomini. Il loro sguardo segue la ragazza, mentre i suoi occhi bassi evitano deliberatamente la loro attenzione. Lo scialle e l'orlo della gonna sono mostrati mentre scorrono, suggerendo che la ragazza sta passando velocemente davanti a loro. L'ambientazione a Venezia è significativa; l'artista ha collocato il momento lontano dagli ambienti cosmopoliti di Londra, Parigi o New York, città a lui più familiari e che considerava più raffinate.


Per composizione e atmosfera, il dipinto è stato collegato dalla scrittrice Margaret Conrads al precedente "Attraversando la strada" di Giovanni Boldini, che visse a Venezia nel 1880. Come nelle altre scene veneziane di Sargent, la strada è per lo più oscurata, le figure periferiche sono in ombra, mentre la luce si diffonde sugli edifici in lontananza. Nell'uso di ampie zone scure che si stagliano su un terreno più chiaro usato per dare forma alle figure, sembra influenzato da Velázquez. Che Sargent sia stato influenzato dalla fotografia di Venezia, in particolare dalle opere di Carlo Naya (1816-1882), si può notare dal modo in cui il dipinto è ritagliato da vicino e dal fermo immagine quasi fotografico che cattura il movimento in un momento.





Giovanni Boldini
Attraversando la strada
(Crossing the Street)
1873-1875
Olio su tela
46 x 37.5 cm
Williamstown, Clark Art Institute



Il dipinto è composto da una serie di rettangoli discendenti disposti in modo quasi telescopico, al di fuori dei quali una sezione di cielo blu alleggerisce il tono claustrofobico segnato dagli angoli discendenti che si incontrano sulla testa della ragazza. L'opera è in gran parte resa in monocromia, anche se vi sono tocchi di rosso nel pettine della testa della ragazza, nel vestito e nel caffè alle sue spalle; tuttavia, nel complesso l'artista è più interessato al tono che al colore. (Mar L8v)



view post Posted: 17/12/2023, 21:17     +12I RITRATTI FEMMINILI DI JOHN SINGER SARGENT - ARTISTICA


Gli esordi




John Singer Sargent
Venditrice di cipolle veneziana
(Venetian Onion Seller)
1880-1882
Olio su tela
95 x 70 cm
Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza


Durante il soggiorno parigino John Singer Sargent si reca in diversi luoghi che considera esotici alla ricerca di nuovi soggetti per la sua pittura. Nel 1879 visitò la Spagna e l'anno successivo, dopo un soggiorno a Tangeri e un viaggio nei Paesi Bassi, trascorse alcuni mesi a Venezia, soggiornando a Palazzo Rezzonico. Sargent si recò nuovamente a Venezia nel 1882, questa volta soggiornando a Palazzo Barbaro. Come ha scritto Richard Ormond, i dipinti di Venezia di Sargent, che ritraggono gruppi di donne in interni appartati, "segnano una delle pietre miliari della sua arte", poiché, contrariamente a quanto ci si potrebbe aspettare, "non era interessato né ai famosi monumenti della città né agli aspetti appariscenti della vita veneziana". Come alcune delle sue opere spagnole, queste prime scene veneziane del pittore ci trasportano in un mondo di ombre ricco di risonanze letterarie.


La "Venditrice di cipolle veneziana" del Museo Thyssen-Bornemisza fu dipinta durante uno dei primi due soggiorni dell'artista a Venezia. Raffigura una giovane donna sola su uno sfondo strutturato geometricamente dal muro e dalla finestra in alto a destra, che ci permette di contemplare una veduta veneziana di un canale. All'interno, la gamma di colori scuri, che contrastano con la leggerezza della gonna e dello scialle della giovane donna, contribuisce a trasmettere un'atmosfera di mistero. Inoltre, l'intera composizione, molto libera, riflette l'influenza lasciata su Sargent dalla pittura di Velázquez, che aveva tanto ammirato durante le sue visite al Museo del Prado, nonché una certa traccia dei ritratti di Franz Hals, che aveva visto durante il suo viaggio in Olanda. Lo scrittore Henry James, che professò una grande devozione per la pittura dell'amico Sargent, lodò in particolare la collana di cipolle appesa alla spalla della modella: "questi piccoli ortaggi deliziosamente dipinti sembrano preziosi come perle ingrandite".





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John Singer Sargent
Una strada a Venezia
(A Street in Venice)
1880-1882
Olio su tela
75.1 x 52.4 cm
Williamstown, Clark Art Institute


La ragazza, la cui bellezza non nasconde la sua condizione di operaia, ha una certa somiglianza con la modella di "A Street in Venice", anch'essa con la mano sul fianco e lo stesso sguardo taciturno e sfuggente. Katherine Manthorne suggerisce che potrebbe trattarsi di Carmela Bertagna, una delle modelle preferite dal pittore, data la somiglianza con il ritratto che le fece intorno al 1879. Tuttavia, sembra improbabile che questa ragazza di origine spagnola, modella di Sargent a Parigi, compaia nei dipinti veneziani. Come documenta Richard Ormond, Monsieur Lemercier, a cui Sargent dedicò il dipinto, era il dottor Abel Lemercier, medico di professione e proprietario dell'edificio al 73 di rue de Notre-Dame-des-Champs a Parigi, dove Sargent aveva il suo studio.





Questi piccoli ortaggi deliziosamente dipinti
sembrano preziosi come perle ingrandite...

(Henry James)




(Mar L8v)





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